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「小川佳夫の絵画」大島徹也 / 2015.8

″The Paintings of Yoshio Ogawa″ by Tetsuya Oshima, August 2015

風に吹かれる木の葉、虚空を舞う鳥、すっと滴り落ちる雫、あるいは奔流――そのような光景の詩情に通じる深い視覚的趣が、小川佳夫の絵画にはある。漠とした色彩のフィールドの上に、ペインティングナイフによるストロークがふっと走る。そうして生じる抽象的なイメージ=空間は、描き手の身振りやその時間性をも喚起しつつ、そこはかとない余韻をいつまでも発し続ける。その永続的情趣は、小川にとって一枚の完成され完結した存在としての絵を成立させるのに必要な制作上の一瞬を、彼が見事に捉えたことによって生まれてくるものだ。

小川佳夫は東京藝術大学卒業後の1987年、大阪のギャラリー白で開催されたグループ展「絵画の根拠」に参加した時から、画家として本格的に活動を始めた。1989年からは抽象表現主義、特にウィレム・デ・クーニングを思わせるブラッシュワークで赤、青、黄の三原色を画面に施したあと、その上に黒と白を同様の激しいストロークで重ねる構成を試み出す。そして1992年頃からは、黒や白の激しいストロークは姿を消し、代わって黄や青、赤などの明るい色彩のアトモスフェリックな広がりが画面全体を覆うようになった。

その後小川は1995年に渡仏し、2007年までの約12年間、パリで制作を行っている。小川は、大学および大学院で油彩画を専攻してきたことから、本場ヨーロッパで油彩画を見、そしてそれらが生み出されてきた環境を自身で深く体験したいと思っていた。そのような中、フランス人の知人の助けもあって、小川はパリ行きを決断した。

パリ時代、小川は現地の動向に関心を持ったり影響を受けたりすることは特になく(少なくとも、本人にその自覚はなく)、ひたすら自分の中で自身の絵画世界を探究していた。パリでの最初の数年間は、小川は1992年頃からの様式を続けていた。その様式に見られるマーク・ロスコやカラーフィールド・ペインティングなどとの関連性についても、小川はもちろんそれらの芸術を知ってはいたが、それらが自分の関心の対象となったり、まして影響源となったことはないと言っている。むしろ小川が強く求めていたのは、彼の言葉をそのまま用いれば、「『誰々のような作品』というのは描かないこと」、「人とは違うオリジナルなもの、自分の根っこにあるものを表現すること」であった。

2001年頃からは、小川はさまざまな色彩を再び激しいブラッシュストロークで画面に塗布するようになった。そして2003年末、小川は現在の制作に通じる自身の代表的な様式をパリで確立した。それは、油絵具を刷毛でキャンバスに塗って作った色面の上に、最後、別の色をペインティングナイフで一振りか数振り施すというものである。

小川は何種類かの絵具を混色して作ったいくぶんニュアンスのある画面の上に、よく別系統の色彩を少し置き、それを刷毛で引き伸ばす。これにより、いっそうのニュアンスが画面にもたらされる。そうして、刷毛が走った跡が作り出す微妙なテクスチュアやムーヴメントもあいまって、画面の奥からこちら側に向かっておぼろげに光が発せられているかのような、あるいは画面の奥で闇が観者を待ち受けているかのような、含蓄深い空間が生まれる。小川によれば、そういった効果は描き出す前から完全に予想し把握しているものではないし、また、事前に意図したとしても、その通りにきちっと出せるものではないという。それは、小川が彼の画材とやり取りしつつ描いていく中で、ふっとやって来て、そして少しうかうかしているとすぐに逃げ去ってしまうものだ。

そして、ペインティングナイフによる最後の一振り。それは、一度で決まることもあれば、決まらないこともある。決まらなければ、刷毛でそれを背景に塗り込めて消す。それが、画面にまた違ったニュアンスをもたらしていく。そして、その上にナイフの一振りが再度試みられる。

ごく少ない要素で非常に深い趣を生み出す小川の絵画には、たとえば俳句に通じる美学があるように思われる。それを小川は否定するかもしれないし、しないかもしれない。どちらでも構わないし、また俳句に限定する必要もないのだが(小川自身はかつて、自らの絵画と日本的「余白」の関係について語っている)、ともかく油絵具とキャンバスによる小川の抽象絵画には、彼の日本的感性の優れた発露が感じられる。

しかしながらそれは、少なくとも当初は意図せずに彼の画面に表れたものだっただろう。すなわち彼は、パリ時代、自らの絵画の新たな展開のために日本人として安直に何か日本的なものに頼ったのではなく、文字通り「自分の根っこにあるものを表現」しようとするなかで、自ずとその境地に足を踏み入れていったのである。それ以後、小川は西洋の油彩画の様式と日本的な美意識を高次において調和・融合させ、彼独自の絵画表現を今日まで深化させてきている。

そうして小川佳夫はこれからも、彼の個々の制作における決定的な瞬間と、さらにそれらの先にあるに違いない彼の絵画の新たな可能性を求めて描き続けてゆくだろう。

 

大島 徹也

広島大学大学院 准教授

2015年8月

A leaf blown by the wind, a bird flying in the air, a drop dripping silently, torrents of water—profound visual nuances that evoke poetic sentiments of such sights reside in Yoshio Ogawa’s paintings. A subtle stroke of a painting knife runs across a vast field of color. This creates an abstract image, a space, which continuously emits subtle reverberations while evoking a sense of the painter’s motions and their temporality. That everlasting sentiment arises in the viewer because Ogawa brilliantly found that single decisive moment in the painting process, that for him is crucial in producing a completed and finished work of art.

Yoshio Ogawa started his career as a serious painter in 1987 when he participated in Foundations of Painting, a group exhibition at Gallery Haku in Osaka, after graduating from Tokyo University of the Arts. In 1989 he began experimenting with paintings composed of the three primary colors, red, blue, and yellow, applied with vigorous brushwork reminiscent of abstract expressionism, particularly the work of Willem de Kooning, which he then covered in similarly vigorous strokes of black and white. The black and white strokes disappeared around 1992, replaced by atmospheric expanses of bright colors such as yellow, blue, and red which covered the entire surface of the paintings.

In 1995, Ogawa went to France, and continued to produce paintings there for 12 years until 2007. Having majored in oil painting at university and graduate school, Ogawa wanted to see oil painting in Europe, the birthplace of the art form, and fully experience first-hand the context in which the style developed. With this intention, and with the help of French acquaintances, Ogawa decided to go to Paris.

During his stay in Paris, he focused completely on finding his own style of painting without taking any interest in local trends or being influenced by any of them (at least not that he is conscious of). For the first several years Ogawa continued the style that he had been doing since 1992. Although the style was somewhat reminiscent of the works of Mark Rothko and other color-field painting artists, Ogawa says that while he did know of their works, he had never paid much interest in them and they had no influence on his own work. Rather, what Ogawa has always strived to do was to, in his own words, “never paint a painting similar to so-and-so’s ” and “express something that is unique to others, that is, to express something from the depths of myself.”

From around 2001, Ogawa began to apply various colors on canvas with, once again, vigorous brushstrokes. And toward the end of 2003, he established in Paris his own style which would lead to his present work—one or a few strokes applied with a painting knife over a field of color painted on canvas in oil with a brush.

Ogawa first mixes several colors on a canvas which generates a subtle nuance. Then he often applies a dash of another type of color over that and spreads it with a brush. This adds further nuance to the painting. The delicate texture and movements created by the traces of the brush result in a space pregnant with profound meaning that makes the viewer feel as if a looming light were shining toward him or her from the depths of the picture or as if the darkness were waiting for an observer in the depths of the picture. Ogawa says that he doesn’t anticipate or control any such effects before he begins to paint and that even if he intends to create an effect before painting, the result is never exactly as intended. It is something that arises spontaneously during the process of painting, and is gone the moment he lets himself become distracted.

Then goes the last sweep of the painting knife—sometimes it works well on the first try, and sometimes it doesn’t. If it doesn’t he paints over it with a brush until it blends into the background. That process brings another nuance to the painting. And another sweep of the knife is applied.

In paintings of his that give off an extremely deep nuance with only a few elements, there seems to be an aesthetic which evokes, for example, that of haiku. Ogawa might deny this, or he might not. It doesn’t matter whether he agrees or not, and I don’t necessarily have to limit the comparison to haiku (Ogawa himself once talked about the relation between his work and “negative space” typical of Japanese art), but in any case, I can see Ogawa’s Japanese sensibility manifested superbly in his abstract oil paintings on canvas.

That sensibility, however, was most likely something that was expressed on his canvas unintentionally, at least in the beginning. That is to say, instead of simply falling back on using something Japanese as a Japanese person in developing his own style during his stay in Paris, it happened naturally as he strove to “express something from the depths” of himself. Since then Ogawa has been harmonizing and integrating the occidental style of oil painting with Japanese aesthetics in complex and subtle ways, and continues to deepen his own pictorial expression.

I believe Yoshio Ogawa will keep painting in pursuit of that crucial moment in each creation and exploring new possibilities for his paintings which surely lie beyond these moments.

 

 

Tetsuya Oshima

Associate Professor, Graduate School of Hiroshima University

August 2015