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「小川佳夫の新作」尾崎信一郎 / 2017.5   

″Recent Paintings by Yoshio Ogawa″ by Shinichiro Osaki, May 2017

尾崎信一郎

小川佳夫の新作を言葉に置き換えることは難しい。ほぼ一様に塗られた色面の上にペインティングナイフで引かれたストロークの痕跡。すべての絵画がこのような構造として成り立ち、それ以上でも以下でもない。絵画の構成要素としては最小限といってよいが、色彩の階調とストロークのゆらめきは作品それぞれに異なった表情を与えている。

小川はなんらかのかたちを実現するために絵画を描くのではない。それでは絵画に何が期されているのか。私たちはこれらの絵画が二つの段階を経て描かれていることを容易に理解することができる。背景を塗り込み、ナイフでストロークを刻む。二つの作業が厳密にこの順で遂行される点に注目しなければならない。90年代の作品においてはオールオーヴァーな色面をかたちづくる行為が空間における筆触の反復としてなされていたのに対し、これらの絵画はむしろ一つの時間的な切断を画面に画す。丹念に準備される色面に対して刹那に介入するストローク。画家の行為を介して、一度きりの事件が絵画という形式を通して生起し、絵画ではなく事件、空間ではなく瞬間が表現される。絵画における時間性を主題とした画家としてはバーネット・ニューマンが連想されよう。「空間への関わりは私を退屈にさせる。私は時間における諸感覚にまつわる私の経験を求める。時間の意味ではなく、時間の身体的な感覚を。」巨大な色面にジップと呼ばれる細い縦縞が刻まれたニューマンの絵画は色面の強調と構成要素の単純さにおいて小川の作品と共通し、ニューマンが1948年の《ワンメントⅠ》という作品によって一挙にスタイルを革新したというエピソードは、2003年の《ジャイスモン2》を前にした小川の啓示的な体験に呼応している。奇しくも「ジャイスモン」というタイトルはフランス語で噴出を意味し、偶然的、不可逆的な小川の絵画の本質を暗示しているかのようだ。

以前より私は、多く暗い画面に対してゆらめく影のごとく、したたる流れのごとくイメージが出現する小川の絵画を一つの暗喩ではないかと感じていた。すなわち聖書に記された天地開闢のエピソード、「光あれ」という神の言葉だ。小川がクリスチャンであることとかかる連想との関係について今は措く。「光あれ」という命令こそ世界をそれ以前とそれ以後に画す事件であり、神によってなされた最初の創造であった。ニューマンもまたジップ絵画に移行する直前に、闇と光の分離を主題とした「命令」という作品を制作している。しかしジップが画面を截然と分かつニューマンに対して、小川の絵画はあまりにもなまめかしく官能的に感じられよう。そこでは絵画という一度きりの事件をとおして作家が「記憶の底の光景」と呼ぶ、自身の感覚や意志と密接に結びついたイメージが浮かび上がる。ニューマンは絵画を記憶や連想から切り離し、ただ「場の感覚」を与えるべく観者に向けて差し出した。これに対して小川は絵画すなわち事件をとおして作家という主体の再構成を試みる。これらのイメージを一種の自画像ととらえることは強引だろうか。形式上の類似とは逆に、ここではニューマンに一つの絶頂をみたアメリカの抽象芸術とは全く異なった抽象表現の可能性が探求されている。果たしてこのような探求は、小川が12年にわたってパリで制作を続けた経験に由来しているのであろうか。

(おさき・しんいちろう 鳥取県立博物館副館長)

It is difficult to put the recent paintings of Yoshio Ogawa into words.  Traces of a stroke applied with a painting knife on a field of color painted almost entirely uniformly―all his paintings are composed in this way, no more, no less. Though they have only the minimal compositional elements for a painting, the color tones and wavering strokes give each of his works its own unique expression.

Ogawa doesn’t paint a picture to create a certain shape. But then,what does he expect of a painting?  It is clear that his works are painted in two steps: first he paints a background, and then he applies a stroke with a knife.  We must note the fact that these two tasks are performed strictly in this order.  In his works painted in the 90s, the act of forming an all-over color field was done with repetitive brushstrokes in a spatial context. However, in his recent works, he produces a single temporal disconnection on the canvas.  He carefully prepares a color field, and a stroke intervenes into it in an instant. Through the action of the painter, a one-time event arises through the form of painting, thus expressing an event instead of a painting and a moment in time instead of space. This brings to mind another artist who dealt with the theme of time in his paintings, Barnett Newman, who said, “The concern with space bores me. I insist on my experience of sensations in time—not the sense of time but the physical sensation of time.”  Newman’s paintings, in which a thin vertical band called a “zip” is drawn on a huge field of color, share an emphasis on color fields and a simplicity of compositional elements with Ogawa’s paintings. And the episode in which Newman made his artistic breakthrough in 1948 with his work titled Onement, corresponds with the epiphanic experience Ogawa had in front of Jaillissement 2 which he painted in 2003.  Coincidentally, “Jaillissement”  is French for “outpouring”, as if implying the contingent and irreversible nature of Ogawa’s works.

For some time I have thought that Ogawa’s paintings, which depict images that look like wavering shadows or flowing water, might be a metaphor for “Let there be light”, —the words spoken by God in the story of the creation of heaven and earth in the Bible. But I will not discuss the relation between this association and Ogawa’s Christian beliefs here. The command “Let there be light” was the very event that drew a line between “the world before” and “the world after”, and it was God’s first act of creation. Newman also created a work which dealt with the theme of the separation between darkness and light titled The Command, before moving on to zip paintings.  But while Newman’s zips sharply divide the surface of the painting, Ogawa’s paintings appear extremely vibrant and sensuous. Through the one-time event of painting, images arise in Ogawa’s paintings that he calls “sceneries at the bottom of memories”, which are closely related to his own sensations and will. Newman detached his paintings from memories and associations, and offered them just to give to viewers “the sensation of space”. In contrast, Ogawa tries to reconstruct the artist, i.e. himself, through paintings— that is, events. Would it be too audacious to consider these images as a kind of self-portrait ?  Despite their similarity in form, Ogawa explores the possibilities of abstract expression in his paintings in a completely different way from that of the American abstract art which reached its apogee with Newman. I wonder if such a quest stems from his experience of painting continuously for 12 years in Paris.

 

 

Shinichiro Osaki

Chief Curator, Tottori Prefectural Museum